Comentario de " Las Hilanderas"

IDENTIFICACIÓN

           Se trata de Las Hilanderas, o La Fabula de Aracne, de Velázquez. Este cuadro  fue elaborado durante la segunda estancia en Madrid (1651 - 1660) y responde a un claro ejemplo de pintura Barroca  española, (s.XVII - s.XVIII)

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

            El tema principal de esta obra es un tema mitológico enmascarados por acciones aparentemente anecdóticas y cotidianas. Este tema mitológico nos narra la fabula de Aracne, la cual relata la competición entre Aracne y Atenea, como resultado de que Aracne desafiase a los dioses para ver quien tejía mejor. Aracne ejecutó un tapiz ( que vemos al fondo del cuadro)  que representaba el rapto de Europa, en un momento de debilidad del padre de Atenea, quien  herida en su orgullo por la calidad del tapiz y furiosa por el tema elegido, castigó a la tejedora convirtiéndola en araña.

            Estos temas mitológicos continúan  realizándose en el Barroco  para  los Palacios de la Burguesía y   círculos cerrados de la Corte, siendo más frecuentes en Italia, -donde continúan la tradición creada en el renacimiento-,  pero también existiendo en España aunque en un grado menor ( por la menor presencia de Burguesía).

            En primer plano aparece un taller de tejedoras que por un lado podría representar un tema costumbrista, pero también podría ser  una representación de la propia fábula mitológica, en todo caso tratada al modo costumbrista, una tendencia que es importante en el s. XVII español, y que  con distintos aspectos,  encontramos en casi todos los grandes pintores del siglo

Sin embargo,  el tema principal de esta época, especialmente en España  es el religioso que responde al  movimiento contrareformista que la Iglesia Católica llevó a cabo ante el creciente Protestantismo de Lutero, ensalzando  los valores que Lutero cuestionaba por ejemplo, la figura de la Virgen, de los Santos, los Penitentes, los martirios, los angelitos., que se convierten en  los temas predilectos de la escultura y la pintura española..

            Otros temas que encontramos en el periodo son:

·         Bodegones, o naturalezas muertas, que forman parte de la llamada “pintura de género”, con  influencia del norte de Europa, que al hacerse protestantes  abandonan la temática religiosa. Esta pintura de género son motivos simples que se realizan para decorar espacios domésticos, poco a poco se hacen más complejos con estudios de simetría  y van adquiriendo carga simbólica.

·         Retratos , especialmente los de aparato  ( es decir con elegantes vestimentas)   fundamentalmente de la familia Real  y círculos cercanos.

ANÁLISIS FORMAL

Composición: La composición de este cuadro de Velázquez es muy compleja. El cuadro presenta un fuerte dinamismo que  es completamente verosímil (en un taller debe haber movimiento) gracias a la presencia de oblicuas, por ejemplo, en el cuerpo de la figura de espaldas, la pierna de la anciana, los brazos del tapiz del fondo... También vemos oblicuas en los propios elementos anecdóticos de la obra, como puede ser la cortina, la mesa o la escalera.  Sin embargo el segundo plano,  lo que corresponde  al aspecto puramente mitológico del tapiz, presenta un mayor equilibrio, un cierto sosiego,  más acorde con el clasicismo, en el que eran fundamentales estos temas mitológicos.

Perspectiva: La perspectiva en esta obra es fundamental y está planteada al modo clásico del renacimiento, con la típica pirámide visual albertiana, en la que  el punto de fuga se halla en el tapiz del fondo, lo que  hace que nuestra vista dirija la atención a este elemento, convirtiéndola en la escena principal de la obra aun estando en un plano muy atrasado.  Además, Velázquez trabaja la perspectiva aérea (desarrollada por Leonardo Da Vinci), que con esa pincelada suelta hace prácticamente tangible la atmósfera polvorienta del taller,  Por otro lado,  gracias al estudio de los planos lumínicos sugiere los efectos de distancia y corporeidad de las formas.  

Figuras: Aparecen tratadas de diferente forma según el papel que representan.    En el primer plano del cuadro vemos que Velázquez ha dado forma humana a los personajes mitológicos. La mujer de blusa blanca y falda azul, es Aracne, y la hilandera que maneja la rueda es Atenea: su disfraz de anciana se ve traicionado por la pierna con aspecto joven. La posición  de la figura de la blusa blanca, Aracne, está basada en los Ignudis de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, sin embargo sus gestos y vestuario  están tratados al modo más naturalista inaugurado también en Italia por Caravagio.

En el plano del fondo  podemos ver a  Atenea que  mantiene un gesto amenazante ante Aracne al ver el tapiz que había conseguido elaborar, El rapto de Europa (cuadro de Rubens basado en el tapiz de Tiziano), y que  aparece detrás de ellas. En el siguiente plano, hacia los espectadores, vemos a dos damas, con gesto tranquilo  mirando la escena de Atenea y Aracne, y una tercera dama  que mira hacia la escena "principal" de la obra, con gesto de complicidad,  estableciendo una relación con él tapiz.

            -Los objetos del cuadro están trabajados con gran minuciosidad.  En la rueca del primer plano Velázquez capta perfectamente el movimiento y el dinamismo.  Pero además encontramos otros objetos, incluso una escalera, tratados con gran atención. Incluso en el plano del fondo encontramos esta importancia de los objetos: así  detrás de una de las damas que mira hacia el cuadro destaca la presencia de  un violoncelo, que  representa el castigo que Atenea iba a ejercer sobre Aracne ya que antiguamente se pensaba que la música era la cura para la picadura de las arañas. La presencia de estos objetos respone a una tradición procedente de la pintura flamenca del s. XV, que tiene mucho éxito en España en el s. XVII y que encontramos en muchos autores (  por ejemplo Murillo en su Sagrada familia del pajarito...)

            -Debemos destacar también la presencia de un voluminoso cortinaje, situado a la izquierda de la escena principal. Este elemento es típico del barroco y busca dar importancia a la escena que se está desarrollando, como si se tratase de una representación teatral.

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El color y la pincelada: Velázquez utiliza una pincelada suelta y  un tanto deshecha, típica del periodo en el que pinta la obra. El color  está dominado por los tonos de tonos cálidos , con distintas modalidades de rojo y ocre, que logran una mayor cercanía al espectador,   y que se equilibran con  algunos toques de color frio como el caso de la falta  azul de Aracne .

La luz: La luz tiene un papel fundamental en esta obra. En el primer plano aparece contrastada , al modo típico de la pintura tenebrista de Caravagio.  Es la  luz del sol  la que ilumina a las hilandera y a sus utensilios de trabajo, presentando a una Atenea que hila bañada en sombras  y  que contrasta con una iluminada Aracne. Incluso en un segundo plano, detrás de las rivales, encontramos a figura de una mujer sin rostro llena de sombras. Esta figura hace resaltar la luminosidad de la estancia superior, provocando también un efecto de profundidad.  Finalmente,  en la escena del fondo  el rayo  de luz  diagonal  baña toda la escena, sin ningún tipo de sombras  ayudando al espectador a distinguir el espacio ficticio del tapiz del de la habitación en sí.

Otras características: En Velázquez es fácil ver en numerosas obras las correcciones que llevó a cabo. En esta pintura podemos verlo  en la cabeza de la hilandera de la derecha y en el gato,

ANÁLISIS SOCIOLÓGICO

            El periodo artístico de esta obra es el Barroco (s.XVII - s.XVIII). Su economía se basa principalmente en la agricultura. Se desarrollan las manufacturas, así como la industria y el comercio. La sociedad sigue siendo estamental, típica del antiguo régimen. Los privilegiados siguen disfrutando de los mismos derechos, mientras que entre los grupos no privilegiados destaca una burguesía cada vez más desarrollada. El sistema político se basará en el sistema de las monarquías absolutistas. La religión va a estar  dominada  en países como Italia y España por la Iglesia Católica, pero se encontrará muy dañada por la Reforma protestante y utilizará el arte como medio de ostentación de poder y demostrar que no sufre ninguna crisis. La cultura de la época se verá dominada por la Iglesia, se produce un retraso en comparación con el Renacimiento. El arte va a estar dominado por la idea de Propaganda del Poder  tanto de la Monarquía como de la Iglesia.

            Dentro de este tema mitológico encontramos otras obras de Diego Velázquez con El Triunfo de Baco, La Venus frente al Espejo, Marte y Mercurio y Argos. Nuestro autor tuvo unos comienzos pictóricas con obras tan anecdóticas como La vieja friendo huevos. también encontraremos obras de la Corte como Baltasar Carlos, Las Meninas, Retrato de Felipe IV y Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares.

Dentro de la escuela andaluza de la pintura barroca en España encontramos a murillo con obras como Las inmaculadas, los niños comiendo fruta y Sagrada Familia del Pajarillo. Zurbarán destaca en sus bodegones y en obras como San Hugo en el refectorio de los Cartujos y en Los trabajos de Hércules. De la escuela madrileña debemos resalar a Ribalta con su Cristo abrazando a San Bernardo y a Ribera con El martirio de San Felipe.

            En el panorama internacional encontramos como máximo representante del Barroco italiano a Caravaggio con su Muerte de la Virgen, La Vocación de San Mateo, Cristo en la Columna y Martirio de San Pedro. En Francia tenemos a La Tour con su Magdalena Penitente, a Poussin con El sueño de Narciso, a Le Bruin con su Retrato de Luis XIV y a Watteau con Embarque para la Isla de Citerea. El principal representante del Barroco en Holanda es Rembrandt con su Leccion de antomia del doctor Tulp y Ronda de noche. Finalmente en la pintura flamenca tenemos a Rubens con Las Tres Gracias, El Descendimineto de la Cruz y Duque de Lerma.